Como listar todos os desafios da indústria da moda? Poluição, falta de inclusão, de transparência, muitas vezes, são só alguns deles. Outra pauta que cresceu ultimamente foi a facilidade da moda de fechar os olhos para as mudanças e agarrar tão cegamente a um status quo que não existe mais. Seja insistindo em castings de modelos extremamente magras ou negando a pandemia, a moda, que prega tanto o fator do zeitgeist, vem se mostrando alheia a sociedade como um todo e sem grandes inovações - um exemplo disso é a volta das semanas de moda presenciais, onde os desfiles continuaram com grandes aglomerações e com poucas renovações no formato que foi tão almejado pelos fashionistas durante o lockdown.
Como tudo isso pode ser mote, outra vez, de novas aventuras criativas? Na história, temos alguns exemplos de renovações e reações artísticas partiram de um lugar onde a insatisfação e a falta de conexão com a realidade trouxeram novos movimentos e vanguardas. Podemos usá-los como exemplo e ensinamentos para os dias de hoje. Voltemos ao século 19.
John Ruskin (1819-1900), filósofo e artista pré-rafaelita inglês, junto com William Morris (1834-1896), designer, pintor e poeta, são duas figuras essenciais quando pensamos em reformas artísticas, mais especificamente sobre o movimento Arts and Crafts.
Arts and Crafts, ou seja, Artes e Ofícios, que surgiu durante a segunda revolução industrial na Inglaterra, negou e foi contrário à mecanização dos processos de produção, ao consumo de massa, e à condição precária dos trabalhadores - que após mudar do campo para a cidade, começam a trabalhar de forma desgastante, com enormes jornadas de trabalho e baixa remuneração - e ao barateamento dos produtos conquistado com a falta de qualidade.
Os adeptos do Arts and Crafts foram críticos ferrenhos da substituição de pessoas por máquinas, pois essa prática significava a perda do bom gosto estético e do estilo. Guiados pelas ideias de Ruskin, líder filosófico do movimento, que entendia que as artes decorativas afetam o homem que a produzia, ou seja, a indústria e a máquina desumanizavam o trabalhador. Assim, tudo que saía dessa relação não era digno, afastando o homem do processo artístico e consequentemente se afastando da natureza.
Morris partilhava dessa convicção, e assim fundou sua empresa Morris & Co., dedicada ao design de objetos, que reafirmava a importância do artesanato e do design, valorizando o trabalho humano para elevar os padrões morais. Com inspirações na Idade Média - ele acreditava que esse período era bem mais interessante que a pré-renascença, porque era muito mais ligado à natureza - a produção era colaborativa e o artista também deveria ser o artesão, mostrando um conhecimento completo sobre as artes, como nas guildas medievais.
Os móveis e a arquitetura eram simples, celebrando as formas e a própria beleza do material. O funcionalismo também era essencial, afinal, Morris era avesso ao exagero do design Vitoriano, com decorações que não tinham função e eram produzidas em massa.
Mais do que uma teoria do design, Arts and Crafts pautou-se pela grande influência do socialismo, onde inicialmente os produtos deveriam ser acessíveis às camadas mais baixas e aos trabalhadores, para que assim pudessem evoluir moralmente - já que se a qualidade e o design dos produtos evoluísse, toda a sociedade iria evoluir também. Entretanto, o custo para produzir suas ideias era bem mais alto do que os praticados pela indústria, tornando inviável trabalhar com preços baixos: rapidamente os objetos que representavam o movimento viraram artefatos de luxo, acessíveis apenas a uma pequena parcela da população inglesa.
Na moda, a maior lembrança que temos do Arts and Crafts é na estamparia. Os trabalhos de William Morris são considerados clássicos e atemporais e, por isso, utilizados até hoje como referência. Suas estampas com formas e cores da natureza, que também buscavam a estilização e a simplificação, também são muito encontradas em papéis de parede, cortinas e uma infinidade de artefatos domésticos, de louças a lustres.
Miuccia Prada, que também partilha de alguns ideais socialistas, já utilizou dos florais seculares em algumas coleções, assim como Alexander McQueen, Alessandro Michele na Gucci e o belga Dries van Noten.
Mas como a moda pode se inspirar no movimento além das referências estéticas simplificadas?
A moda deve valorizar a mão de obra artesanal, as marcas e projetos com propósito, que se preocupam não só com a qualidade do produto mas também com o que ele representa. Humanizar os processos é essencial para promover a mudança moral proposta por Arts and Crafts, sendo a “arte feita pelo povo, para o povo”.
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Assim, Arts and Crafts transborda as fronteiras europeias e se une ao movimento internacional Art Nouveau, que surgiu por volta de 1890 na Bélgica. Ambos são pautados pela aproximação da natureza com formas orgânicas e assimétricas, porém, possuem filosofias distintas acerca da indústria: enquanto Ruskin e Morris recusam completamente a indústria, o Art Nouveau se une a ela e se coloca no centro dos processos, utilizando novos materiais e se apropriando da engenharia e da ciência.
Negando o design inferior e a utilização de materiais baratos, o Art Nouveau fortalece a relação da indústria com as artes, o design e o artesanal, e cumpre mais facilmente com a proposta de Ruskin e Morris de democratizar o acesso às artes.
Se opondo ao historicismo, ou seja, contrariando aquilo que vem antes dele, o movimento Art Nouveau nos mostra a necessidade de originalidade e renovação, uma vez que se apegar ao que já passou da validade não é mais interessante e condizente, algo que a moda tem resistido a fazer.
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